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Tatuajes de Rock irlandés, con Rory Gallagher

11 Mar

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Hoy quiero comentar un fantástico álbum, Tattoo, de un guitarrista al que muchos consideran, incluido el mismísimo Rosendo, como ¨el gran olvidado del Rock¨, Rory Gallagher. Para muchos, el mejor guitarrista irlandés de todos los tiempos, junto con Gary Moore, y un maestro con el slide.

Esta obra fue publicada en 1973 y pertenece a un género de rock agitado con un tono de blues. Encontramos en el álbum, unas guitarras excitadas y descaradas, como en el tema Cradle Rock, las cuales aparentan que en cualquier momento caerán al precipicio, pero continúan con un ritmo apresurado y lleno de impacto, con el que te das cuenta, que te ganarán la batalla y tendrás que rendirte, porque te encuentras en su territorio.

Uno de esos álbumes en los que dejas de fantasear con tu vieja guitarra olvidada en un rincón, y decides pasar a la acción, para que te acompañe en los momentos de mayor destierro hacia tu interior.

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La base instrumental de este disco posee unos fantásticos ritmos de caja, bombo y plato, un bajo que cumple su papel ante el desenfreno del protagonista, y un teclado que se mantiene en su lugar armónico. Se ve claramente el linaje de los demás componentes del sonido en temas como Tattoo´d Lady Sleep on a clothes line, un tema de rock castizo y de mucha contundencia.

Este disco contiene temas que te transportan a un lugar donde sólo encontrarás una tasca cada 60 Millas, canciones como Tuscon, Arizona, o temas donde desempolva su vieja acústica de cuerdas metálicas, en 20:20 Vision.

En definitiva, un Álbum muy recomendado para los amantes de las seis cuerdas y en especial del sonido legendario de Fender, donde te darás cuenta que en Irlanda también saben jugar a hacer esto que llaman, Rock.

Aquí os dejo un tema del disco en su visión más natural, en directo.

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Fina línea de la ópera al rock con The Who

31 Ene

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El álbum que hoy quiero mencionar es ¨Quadrophenia¨, de la mítica banda The Who. El grupo británico de rock, se formó en 1964 y fue conocido, sobre todo, por sus espectaculares directos, llenos de energía y simbolismo, siendo referencias en su época. Incluso se recuerdan sus destrozos de instrumentos, como las Gibson SG de Pete Townshend, y los platos tomando el vuelo de la mano de su genial batería Keith Moon, mientras John Entwistle, casi inmune, realizaba una base rítmica con el bajo, en forma de escalas, con un talento fuera de lo común. Roger Daltrey, la voz de la banda, lideraba la formación incluso quedando a un lado de la apoteosis instrumental.

Quadrophenia fue publicado en 1973, y pertenece a un género de ópera rock, totalmente desordenada y fuera de los patrones clásicos. Como el propio nombre indica, una mezcla de esquizofrenia con un sonido cuadrafónico. Un álbum atemporal y psicodélico fundido con una instrumentación admirable.

La voz de Roger Daltrey en el álbum, es muy desgarradora y desaliñada. Parece un puñal que se clava recorriendo la espina dorsal, transformando el dolor en un sueño profundo, introduciendo tu alma al instante previo a cada párrafo, sobre todo en el tema ¨Love reign o´er me¨, canción con la que cierran el álbum de una manera desmedida de emoción.

Las guitarras de Pete, poseen unos registros muy personales, con un rasgueo íntimo y peculiar. Una mezcla de acústicas y eléctricas en los temas, de una manera más reposada y pacífica respecto a otros álbumes o directos, pero no por ello de menor calidad, puesto que poseen la misma naturaleza y condición. Para mí, Pete Townshend, es uno de los más influyentes guitarristas de la historia.

En cuanto la base rítmica, he de decir que nos encontramos, a mí juicio, al mejor bajista de rock , John Entwistle, un hombre aparentemente tranquilo en el escenario, pero probablemente el más atronador de los cuatro. Pete, lo consideraba incluso como el guitarra principal de la banda, como se ha dicho en muchos medios.

Keith Moon, a la batería, es mencionado también, como uno de los mejores, puesto que dominaba el instrumento con una energía excepcional y una personalidad excéntrica y arrolladora. Una manera de tocar donde predomina la rapidez y la escapada de los ritmos más básicos. Para mí, un bendito chiflado.

En definitiva, Quadrophenia nos presenta una manera de ver la música como una auténtica obra de arte, la cual podrías plasmar en cualquier ámbito, puesto que sus temas poseen unos trazos que invitan a bailarlos, filmarlos, tocarlos, o incluso pintarlos.

Aquí os dejo un enlace del fantástico tema, Love reign o´er me, con el que termina esta obra maestra.

¿Quién gana la batalla de las bandas?

24 Ene

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Hoy quiero realizar una encuesta en mí blog. Yo se que muchos tenemos nuestros grupos preferidos y decir que unos son mejores que otros es muy relativo. Bien es cierto, que hay algunos que tienen ese don especial que los hacen únicos, no sólo por su calidad en la música y sus directos espectaculares, sino también por ejercer una influencia enorme en otras bandas, ser iconos en su época, o llevar a sus espaldas una larga carrera, la cual merece un reconocimiento.

Las bandas que colocaría como las mejores de todos los tiempos, a mí juicio, y repito, únicamente a mí entender, puesto que para muchos, los grupos que formarían esta lista serían otros, son las que propongo en esta encuesta. Se que dejo fuera muchísimas, no por ello peores, como la Creedence Clearwater Revival tan importante en América o bandas más de culto como Pink Floyd o The Doors. También otras muy influyentes como Radiohead o Nirvana, pero para mí gusto, no tan constantes o duraderas, a pesar de ser también referencias. De hecho, para mí, el más grande de todos es Elvis y no lo menciono por no destacarlo como un grupo, a pesar de incluir a Hendrix, pero no puedo dejar de lado a la gran Experience . No sería ético llamar a este blog El cajón de Hendrix y apartarlo en esta encuesta.

Por ejemplo, destaco a:

The Beatles, con unas composiciones muy avanzadas en su momento, (hablo de su segunda época, más psicodélica). A pesar de no ser espectaculares en directo, poseen canciones que han sido himnos. Unas guitarras de la mano de George Harrison muy personales y conmovedoras.

The Rolling Stones, los macarras de su época, un directo espectacular y hay que reconocer que aún siguen dando muchísima guerra con unas actuaciones únicas y a la altura de muy pocos. Los viejos rockeros nunca mueren.

Led Zeppelin. Para muchos el mejor grupo de Rock de todos los tiempos. Una referencia clara de las bandas más crudas de la actualidad. Y con cuatro músicos, los cuales parecen una selección de los mejores de su época. Aprieta los dientes y a pesar de pisar traste en el solo, crees en lo que haces y lo muestras con descaro. Grandiosos.

The Who. Un grupo completamente de directo. Son espectaculares sus actuaciones, como isle of wight. Pura energía y cabeza de cartel en cualquier evento. ¿Quién no conoce el famoso molinillo de Pete Townsend y su SG?. Además son autores del gran álbum Quadrophenia, una ópera rock sublime.

The Jimi Hendrix Experience. Una referencia clara para todos los guitarristas actuales. Muchos empezamos en esto de las seis cuerdas por el talento de Jimi. Demuestra que el gusto está por encima de la técnica depurada. Escalofriantes solos de guitarra y sobrecogedoras notas al aire para ser, al que muchos consideran, mejor guitarrista de todos los tiempos.

U2. El sonido de la mayoría de los grupos rock-pop actuales o las referencias más indie vienen de la calidad de esta banda. ¿Quién no piensa en la influencia, tan clara en otros guitarristas, de The Edge, el rey de delay? A veces escucho sonidos como Coldplay, o incluso fragmentos de Muse y me recuerdan esos estribillos emocionantes que destacan en los temas de U2. Unos directos espectaculares y de los pocos grupos que son capaces de llenar cómo ,dónde y cuándo quieran. Destaco el concierto de Slane Castle y sobre todo una larguísima carrera estando en lo más alto.

Queen. ¿Cómo no mencionar a este grupo de composiciones como Bohemian rhapsody? Probablemente la mejor canción de todos los tiempos. Además es inevitable recordar al gran Freddie Mercury, una de las mejores voces masculinas que nos han dado.

Repito, esta selección es completamente subjetiva dentro de mí objetividad.

Música desde las estrellas con David Bowie

20 Ene

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El álbum que hoy me he propuesto comentar es ¨The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars¨ del gran compositor inglés, David Bowie, el cual fue publicado en 1972 y es considerado como uno de los mejores álbumes de su carrera musical.

Este disco supone un paso adelante en el rock de la época, convirtiéndo a Bowie en un artista de culto popular. Un estilo Rock-Pop experimental y psicodélico son la base del flamante éxito del álbum. Una visión abierta de la música rock totalmente personal y la cual te transporta desde los surcos que reproducen vibraciones mediante una aguja, hasta el inicio de la creación en forma de unas perfectas melodías.

Una combinación de temas son propuestos en el álbum. El universo y el amor son la base principal de la temática de las canciones, sin dejar de lado tendencias más cercanas al rock, como las drogas y el sexo.

Con ¨Five Years¨ inicia este trabajo, donde nos habla sobre el fin de nuestro planeta por falta de recursos. Comienza con un sencillo ritmo de batería y una base instrumental que me recuerda por momentos a temas de Lou Reed, más concretamente su canción ¨Perfect day¨.

En el álbum aparece una de las canciones más conocidas de David Bowie, ¨Starman¨, con un ambiente atmósferico y la cual te invita a cerrar los ojos, abrir tus manos y girar maravillado al darte cuenta que está canción te hace creer en el alma, puesto que la armonía en su estribillo se te clava en él. Junto a este tema, otra de las canciones más influyentes en la carrera de Bowie es ¨Ziggy Stardust¨, y que también nos presenta este álbum mediante una perfecta, a la vez que sencilla producción, muy directa y realista.

El resto de temas nos ofrecen un mensaje desde el espacio exterior, en forma de guitarra eléctrica y golpe de teclas. Temas como ¨Star¨, o baladas donde se muestran pinceladas cercanas al estilo de Elton John, como la pista ¨Lady Stardust¨. También nos muestra una manera diferente de hablar sobre el amor en ¨Soul love¨, donde ciencia y religión quedan unidas por el ritmo de sus acordes más profundos.

El álbum finaliza con ¨Rock´n´roll suicide¨, donde mantiene una línea de decadencia del protagonista de esta historia, ¨Ziggy¨, en forma de ondas sonoras, y la transmite de una manera desgarradora en su voz.

En definitiva, no hace falta decir mucho más para reconocer esta obra maestra. Un álbum con muchísima personalidad en el que se refleja lo insignificante que nos podemos sentir como músicos ante la inmensidad, pero en este caso no del cosmos, sino ante este artista. Desde el Big Bang, hasta nuestros días, con David Bowie.

Aquí os dejo un enlace al fantástico tema compuesto desde las estrellas, muy lejos de aquí: Starman.

Vuela alto con Led Zeppelin

14 Ene

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Seguir comentando álbumes en mi blog dejando de lado a una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos, ¨Led Zeppelin¨, sería como ganar una batalla perdiendo una guerra, y es por eso por lo que hoy he decidido comentar su primer álbum, llamado del mismo modo en el que se presentan como grupo. Para mí uno de los mejores álbumes jamás creados.

¨Led Zeppelin¨ fue publicado en Enero de 1969 y está impregnado de muchos estilos, entre los que destaco el blues, y un rock con unos riffs poderosos pragmados de música americana (a pesar de ser británicos). No podrían tener un debut más esperanzador con este disco, mucho más rotundo que los de bandas de la época.

El álbum comienza con ¨Good times bad times¨, en el que se presentan unos contratiempos en la batería, por John Bonham, y un juego en el doble bombo, que invita a cualquier baterista a intentarlo. Mi buen amigo Oscar ( Batería de The Shout), me comentaba que cada golpe tiene la misma fuerza en la pegada, y eso lo hace único. Jimi Page le da un sonido muy personal a la guitarra, realizando un solo, donde la espontaneidad y el sentimiento derrotan por decisión unánime a la técnica depurada, y un bajo, por parte de John Paul Jones, en el que si lo analizas te das cuenta que fue fundamental para el éxito de la banda.

Encontramos temas más bluseros como ¨I can´t quit you baby¨ y ¨You shook me¨, con un slide acompañando a la voz, y una base rítmica, típica de un sonido más cercano a un lugar donde solo ves en el horizonte el abrasador sol y una gasolinera de un surtidor.

El tema más rockero del disco es, ¨Communication breakdown¨. En algunos momentos me recuerda a cierto estilo sureño, pero una voz rasgada y un solo donde aprietas los dientes y cierras los ojos, te dan el empujón necesario para hacerte caer de nuevo en la realidad.

En la mayoría de las pistas se respira mucho la improvisación, ya que la base rítmica de la banda te permite crear y volar de nota en nota, sin pensar en normas o en que pensarán. Esa libertad extrema la podemos ver en ¨How many more times¨, donde la batería tiene pinceladas de jazz y te hace pensar en ese momento en el que los cuatro miembros, dentro de una sala, escucharon ese 3,2,1 y a grabar……..

Las baladas del álbum las tenemos en ¨Baby I’m gonna leave you¨ , un tema de Annie Briggs, y ¨Your time is gonna come¨, con un teclado casi evangélico, donde un golpe de plato y rasgueo de cuerda le dan a una canción aparentemente lenta y romántica por momentos, un tono macarra y una situación de ponte guapa que te invito a una copa.

El tema más psicodélico, a mi juicio, es ¨Dazed and confused¨. Una canción de tono oscuro y completamente atemporal.

Con ¨Black mountain side¨, presentan un tema instrumental, con unos ritmos propios del hindú y unas percusiones de timbales de caldero de cobre y corros danzantes.

Después de este comentario, no hace falta decir mucho más. Por mi parte voy a sacar el vinilo de su funda, levantar la aguja, meter el disco y disfrutar de su música viendo como un dirigible cae en llamas como si fuese de plomo.

Aquí os dejo un enlace del fantástico tema, Communication Breackdown, que quiero dedicar a mi buen amigo Lalo. Esperemos que la música viaje hasta Australia, donde está. Pero eso sí, fuera de peligro, en primera clase.

Pedacitos de mi corazón, con Janis Joplin.

8 Ene

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Si me preguntasen cuál es para mí la mejor voz femenina del rock, no dudaría más de un segundo y diría, Janis Joplin. Fue una estupenda cantante de Rock, blues y soul estadounidense de finales de los 60.

El álbum que hoy quiero comentar es ¨I Got Dem ol´Kozmic Blues Again Mama¨, su primer  disco como solista, lanzado en 1969.

Este disco comienza con una desgarradora ¨Try¨ donde ya muestra las claras intenciones de no pasar desapercibido.

Las voces son en todo momento el plato fuerte y la instrumentación está claramente repartida en varios estilos muy influenciados por soul, rock o lo más oscuro del blues.

El saxo tenor, la trompeta y el barítono le dan mucho cuerpo a las canciones, y en cierto modo, en algún momento, son la esencia del álbum.

Nos encontramos unas baladas donde Janis se luce completamente, como por ejemplo, ¨Maybe¨, ¨Kozmic Blues¨, ¨Little girl blue¨ o ¨To love somebody¨, unos temas cargados de fuerza y emoción.

En el disco también aparecen temas en directo como ¨Summertime¨ o el famoso ¨Piece of my heart¨,  un himno de soul blanco, en mi opinión.

El tema más blusero es ¨One good man¨ donde se transportan claramente las notas más influenciables del famoso estilo basado en el patrón repetitivo de melancolía y tristeza.

Algo más alegre lo encontramos en la canción ¨As good as you´ve been to this world¨, más propio del  rhythm & blues, donde pide que te levantes del sofá y hagas un acompañamiento de palmas al tema.

Sin duda alguna, uno de los mejores álbumes que yo he escuchado y un disco imprescindible para cualquiera. Aquí os dejo un link del tema To love somebody  en directo que no debéis pasar por alto. Eterna Janis.

La banda sonora Motown con Rare Earth

3 Ene

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El álbum que hoy os recomiendo es ¨One World¨ del grupo Rare Earth.

La banda se formó en Detroit, en 1961, bajo el nombre de The Sunliners, pero fue en 1967 cuando tomó las riendas como Rare Earth. El grupo se encuentra en un terreno de rock clásico con grandes dotes de ritmos motown e influencias del blues y del soul más profundo. Este disco ¨One World¨ es su tercer trabajo y fue realizado en 1971.

Contiene canciones en las que el ritmo de bajo por momentos roza el Funky, con unas voces en coros muy trabajadas y propias a un momento hippie , una guitarra muy potente y unas percusiones que recuerdan trazos de directos de Santana.

Pasamos del rock más clásico en ¨What´d say¨, una canción de pelo largo y con un solo de hammond a lo Jon lord de Deep purple, a temas más acústicos como ¨Any man can be a fool¨.

En el disco encontramos, en algunas partes, estribillos que llegan al alma, como en el tema ¨Someone to love¨ o canciones cuya instrumentación poseen el blues más erótico en sus adentros.

Algunas canciones me recuerdan lo que más tarde serán grupos como The Black Crowes (con permiso de la opinión de mi amigo Iván , cantante de ¨Cables Cruzados”, fiel seguidor de la banda). Temas como ¨The road¨ o ¨ If i die¨ parecen sacado de lo más profundo del Crowology.

En definitiva, un álbum con muchísima calidad y que sin duda os va a encantar. Como amante de los grupos de finales de los 60 y principio de los 70 os digo que no os quedéis sin escuchar ¨One World¨ de Rare Earth.

Aquí os dejo un link ,que no tiene desperdicio, del single principal del álbum : ¨I just want to celebrate¨.

Feliz año y felices U2

31 Dic

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No se me ocurre mejor canción para felicitaros el año que este tema de U2 llamado ¨New year´s day¨. Merece la pena que lo escucheis puesto que es una versión en directo desde Slane Castle, en Dublín, sencillamente espectacular.

La canción pertenece al álbum ¨War¨, un disco cargado de rock con tintes punk muy alejados de la imagen actual del grupo más atmosférica y elaborada.

Aquí os dejo el enlace para que puedan ver este fantástico video del tema en directo.

A sus órdenes Captain Beyond

29 Dic

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Captain Beyond fue un grupo estadounidense fundado en 1971. Está formado de la fusión de algunos miembros de bandas como Iron Butterfly, Deep Purple o incluso Johnny Winter. La banda formaba parte del panorama de rock progresivo, hard-rock o rock psicodélico.

El disco que hoy voy a comentar es su primer trabajo, llamado como la propia formación: ¨Captain Beyond¨.

A pesar de no tener mucha repercusión por su escasa difusión, me parece un disco bastante importante, cargado de muy buenas guitarras y efectos, simulando un rock espacial, de otra atmósfera, con grandes influencias futuras, ya que si lo escuchan verán que muchos músicos actuales vienen a hacer lo mismo, sólo que con 40 años de retraso.

Incorpora algunas canciones en las que me viene a la mente grupos como Black Sabbath, por ejemplo, el tema de ¨Dancing Madly Backwards¨, donde los riff de guitarra, efectos vocales y la instrumentación se asemejan a su estilo. Incluso escuchamos un doblado de guitarras en el solo con mucho tacto y calidad sin perder la energía y la fuerza del tema.

Las canciones más psicodélicas que he apreciado en el disco son ¨Myopic void¨ donde recuerda mucho en algún momento esa canción de Jeff Beck y su efecto de guitarra en Bolero´s beck, con una batería rozando el ritmo militarizado, o ¨Thousand days of yesterdays¨ con una entrada casi del medievo a la que le precede en ese sonido mas acústico ¨Frozen over¨, mucho más rockera y con sonido eléctrico. Pasan del día a la noche con mucha facilidad.

¨As the moon speaks¨ comienza con una acústica arpegiando unas notas y con una voz que le dan al tema una sensación espacial que parece sacada de una cuenta atrás a una salida lunar. Inmediatamente después comienza un riff de eléctrica con una batería muy potente cargada de redobles. A este tema le siguen 15 segundos de otro llamado ¨Astral Lady¨ para retornar al mar en calma con ¨as the moon speaks return¨. Digamos que te transportan a un crucero donde te sientes el protagonista de una serie como vacaciones en el mar.

Otro tema es ¨I can´t feel nothing¨ con unas pinceladas a lo Ritchie Blackmore de Deep Purple, este tema entra dentro de un rock más clásico.

Un sonido más actual con efectos echoe o delay en la distorsión de guitarra y una instrumentación muy cruda lo encontramos en el tema ¨Raging river of fear¨. Llama la atención en la base rítmica la utilización del cencerro en cierto momento, dentro de una instrumentación tan ensuciada, que le da calidad a la producción y te hace pensar que todo lo que te apetezca en la música puede entrar siempre que sea en el sitio adecuado. El final del tema es una apoteosis que no deberían dejar de escuchar.

En definitiva, el disco de Captain Beyond me parece una joya dentro de lo más ¨retro¨ del rock de inicios de los setenta. Es un grupo muy importante ya que marca una influencia clara, y aunque no de manera directa pero sí indirecta es la base del sonido de muchos grupos actuales de gran nombre.

Os lo recomiendo sin dudarlo ya que está cargado de sentimiento y de un punto ¨macarra¨ que marca uno de los aspectos fundamentales de los que debe estar hecho un buen disco de rock.

Volumen al 10 con Blue Cheer y su Vincebus Eruptum.

26 Dic

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Recuerdo hace muchos años que buscaba por internet grupos de finales de los 60 y principios de los 70 que se acercasen al sonido de la Jimi Hendrix Experience, y topé con un grupo llamado Blue Cheer. Busqué un disco y comencé a escucharlos y mi reacción más inmediata fue: ¨Me hubiese encantado formar parte de esta banda¨

Blue Cheer es un grupo estadounidense formado por Dickie Peterson (Bajo y voz), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería) de finales de los 60. Su estilo, a mi entender, lo colocaría dentro del más puro hard-rock con pinceladas psicodélicas y un sabor punk muy característico y pionero. Su sonido garaje les da mucha fuerza, energía y desenfado. Uno de los principales Power trio de la época. Este comentario va dedicado a su primer álbum,de nombre : Vincebus Eruptum, el cual fue publicado en 1968.

Al escuchar el disco se me vinieron a la mente grupos como The Stooges o incluso fragmentos y matices más propios de Bad Company o Led Zeppelin.

Al ser un apasionado de las seis cuerdas debo reconocer que me paraba mucho en escuchar los riff y solos de guitarra, y  se podría decir que parecen sacados del más puro estilo de pedal Big Muff con grandes dosis de LSD pero con una base rítmica muy potente y desenfrenada y acompañados de una estupenda voz en la que en algunos momentos me viene a la mente Fogerty de la Creedence.

En el álbum aparecen algunas versiones como  ¨Summertime blues¨de Eddie Cochran. Esta canción es la clásica en la que se da el caso en que se supera a la original. Se han dado otros casos como el famoso ¨All along the watchtower¨de Dylan claramente superada por la versión de Jimi o incluso la de U2 en su álbum Rattle and Hum.

Las demás versiones son: ¨Rock me baby¨ de BB. King, la canción más blusera del disco, o ¨Parchment Farm¨ , típica canción más cercana al folklore americano  compuesta por Mose Allison cuya versión convierten en una explosión de rock ubicada en el interior de tu garaje.

Otras canciones que aparecen en esta obra y ya originales de la banda son por ejemplo, ¨Doctor Please¨ donde se hace un presagio a lo que años más tarde será el sonido hard-punk. Si escuchamos este tema veremos como al final hay un solo de guitarra que a mi me recordaba mucho al tema ¨Stone free¨. Podría decir que este es el tema más psicodélico del disco, en mi humilde opinión.

Con una entrada de batería se presenta el tema ¨Second time around¨ donde la guitarra suena más  ¨americana¨ que nunca con un poderoso riff que parte de la base de las notas más clásicas del rock and roll pero transportado a un lugar diferente, mucho más ruidoso y descuidado. En este tema los miembros de la banda dan la sensación que creen en lo que hacen y lo transmiten, puesto que sería dificil escucharlo sentado o sin marcar al menos el ritmo con la yema de los dedos en el reposabrazos.

Por último comentar el tema ¨Out of focus¨ con unos matices instrumentales propios del rock-blues que no pasarán desapercibidos.

Para muchos, Vincebus Eruptum, resultará ruidoso o desafinado pero para mí es un álbum interesante e imprescindible de escuchar. La energía de Blue Cheer se transmite en cada nota y en cada instrumento más allá de una afinación perfecta o claridad en el sonido, que no es el caso si eso es lo que buscas.

Si lo que quieres es disfrutar del rock más clásico y escuchar un disco que no pueda mantenerte quieto en tu asiento sin tener que estirar la mano, coger tu eléctrica y acompañarlos, te recomiendo sin dudarlo Vincebus Eruptum de Blue Cheer. Una banda que no debe quedar en el olvido.

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